Hall del Palacio de Würzburg en Baja Franconia, construido por Neumann en 1714
barroco, ca.
(Del fr. baroque, y este resultante de fundir en un vocablo Baroco, figura de silogismo, y el port. barroco, perla irregular).
1. adj. Se dice de un estilo de ornamentación caracterizado por la profusión de volutas, roleos y otros adornos en que predomina la línea curva, y que se desarrolló, principalmente, en los siglos XVII y XVIII.
3. m. Período de la cultura europea, y de su influencia y desarrollo en América, en que prevaleció aquel estilo artístico, y que va desde finales del siglo XVI a los primeros decenios del XVIII.
ORTOGR. Escr. con may. inicial.
(Diccionario de la Real Academia Española)
El Oratorio es una forma vocal religiosa,de carácter narrativo,sin representación escénica. En ella se canta un drama basado en el Antiguo o Nuevo Testamento en el que intervienen la orquesta,los coros y los solistas.
Su nombre proviene del lugar de Roma dónde San Felipe Neri se reunía con sus discípulos a rezar.
"Aleluya" - El Mesías (G.F.Handel) -
Christopher Hoogwood & Academy of ancient music
Choir of Westminster Abbey
La Cantata es una forma musical,compuesta sobre un texto generalmente religioso (puede ser profano) de carácter lírico y no narrativo para orquesta, coros y solistas.
Johann Sebastian Bach Cantata n. 147 "Herz und Mund und Tat und Leben".
Choral "Jesus bleibet meine Freude"
Coro Arnold Schoenberg de Viena
Concentus Musicus Wien - Nikolaus Harnoncourt
(Monasterio Melk)
La Pasión es una gran cantata para glorificar la pasión y muerte de Cristo. Los personajes son: El evangelista (narrador), los personajes del Evangelio y el pueblo alemán. No hay representación escénica y el elemento unificador es el coral.
Pasíon según San Mateo BWV 224 (J S Bach)
Ton Koopman - Coro y Orquesta Barroca de Amsterdam.
"Wir setzen uns mit Tränen nieder"
La ópera nace en Florencia con la "Camerata Bardi" (camerata fiorentina).
La obra "Euridice" de Jacobo Peri (1561-1633), estrenada en el Palacio Pitti en 1600 está considerada la primera ópera.
La música se basa en la monodia acompañada. La melodía canta el texto sostenida por el bajo contínuo (bajo cifrado).
El texto ha de ser interpretado de forma expresiva, afectiva.
Para intensificar más o menos la fuerza de las palabras se usan tres formas diferentes de cantar:
Recitativo : Sirve para recitar o declamar el texto semicantándolo . Se acompaña con el bajo contínuo.
Arioso: Forma de cantar más adornada que el recitativo.
Aria: Se canta de forma expresiva y la melodía es adornada con profusión.
Ópera seria: Es de carácter aristocrático con temas y personajes mitológicos.
Claudio Monteverdi
"ORFEO" (1607)
Claudio Monteverdi (1567-1643)
Jordi Savall & Le Concert des Nations ,
La Capella Reial y solistas.
Toccata (Obertura)
Vi ricorda, o boschi ombrosi
Ópera bufa: De carácter popular. Los protagonistas no son dioses sino personajes de clase media.
El modelo del género es :
"La serva padrona" de Pergolessi (1610-1636).
(La Petite Bande - Sigiswald Kuijken)
En España surge un teatro musical propio denomimado Zarzuela en el que los músicos españoles se unen a los grandes dramaturgos.
Juan Hidalgo de Polanco
(Madrid, 1614 - 1685)
De la ópera barroca "Celos aun del aire matan" fechada en 1660, con libreto de Pedro Calderón de la Barca.
Se trata del primer intento de fiesta real de ópera cantada que se conserva en España.
(Madrid, 1614 - 1685)
De la ópera barroca "Celos aun del aire matan" fechada en 1660, con libreto de Pedro Calderón de la Barca.
Se trata del primer intento de fiesta real de ópera cantada que se conserva en España.
The Newberry Consort
(Andrew Lawrence-King)
(Andrew Lawrence-King)
ACTIVIDADES
Con la llegada del barroco la música instrumental se enriquece gandemente.
Esto es debido sobre todo a los grandes constructores de cuerda italianos (Amati, Guarneri, Stradivari...) y a la aparición de nuevos instrumentos como el oboe, el fagot o el pianoforte.
La Suite representa la unión en una sola obra de varias danzas de distinto origen, ritmo y carácter.
En ocasiones las danzas pueden ir precedidas por un preludio.
Aunque toda la Suite está en la misma tonalidad, se combinan el modo mayor y menor.
El sentido dramático característico del barroco se consigue mediante el uso del contraste y la contraposición.
Suite Nº 1 para violonchelo en Sol mayor
BWV 1007
( J.S. Bach )
Mstislav Rostropovich (violonchelo)
Preludio
Allemande
Courante
Sarabande
Menuet
Guige
La orquesta en el Barroco ( siglo XVII y primera mitad del XVIII ).
En el siglo XVII la orquesta era un conjunto variable de instrumentos cuya selección dependía en muchos casos del número de músicos disponibles en un determinado momento. Aunque Claudio Monteverdi ya indicó expresamente los instrumentos que debían interpretar la parte instrumental de su ópera Orfeo esto no era lo habitual. Normalmente los intérpretes, muchas veces también compositores, daban rienda suelta a su imaginación creando variadas combinaciones tímbricas y tendiendo muchas veces a la improvisación.
Hacia 1700, muchos instrumentos se perfeccionaron técnicamente. Por ejemplo, la familia del violín se impuso gradualmente a la de la viola, aunque algunos miembros aislados de esta familia de siguieron usando en algunas obras (por ejemplo la viola da gamba, utilizada en algunos pasajes de la “Pasión según San Mateo” de J.S.Bach). No hay que olvidar que el grupo de instrumentos de la familia del violín (violín, viola, violonchelo y contrabajo) van a ser el núcleo central de la orquesta. En lo que respecta a los instrumentos de viento comenzó a usarse el corno de caccia, antepasado de la trompa y la flauta travesera se impuso a la flauta de pico , aunque ésta aún se utilizó en algunas composiciones orquestales. Por otra parte, en la época de J. S. Bach las designaciones instrumentales indicadas por los compositores en sus partituras eran confusas. Por ejemplo, la expresión clarino que se encuentra en algunas cantatas de Bach designa el registro determinado de un instrumento (trompa o trompeta). Sólo los factores musicales podían , en última instancia, decidir sobre el instrumento elegido. De todo, se deduce que la orquesta barroca, a pesar de evidentes progresos, no había alcanzado aún un grado de uniformidad, ni delimitado la constitución de una plantilla básica. No obstante puede hablarse de un instrumental más o menos fijo:
LA ORQUESTA BARROCA
CUERDAS
VIENTO
MADERA
VIENTO
METAL
PERCUSIÓN
TECLA
Violin
Viola
Violonchelo
Contrabajo
Flauta
Oboe
Fagot
Cornos
Trompetas
Timbales
Órgano
Clavicémbalo
En ocasiones se empleaban sonoridades diferentes como los oboes d ´amor , oboes d ´caccia, laúdes, mandolinas, flautas de pico...
Durante el Barroco, no existía todavía el director de orquesta tal y como lo conocemos hoy en día. Normalmente el intérprete del primer violín, del clavicémbalo o del órgano, también llamado maestro de concierto, se encargaba de dirigir al resto de los músicos desde el lugar en el que estaba sentado.
A finales del siglo XVII aparece un
estilo instrumental que se convertirá en el más importante del
Barroco:
El Concierto.
El término “Concerto” viene del
verbo “concertare”, es decir, “tocar varios instrumentos a la
vez”. Esta forma orquestal barroca suele constar de
tres movimientos:
(Allegro-Largo-Allegro).
La esencia del concierto es el diálogo
entre la orquesta (“tutti”) y el solista .
En el llamado “Concerto grosso” la
orquesta dialoga con un grupo de solistas (“concertino”).
Los compositores de conciertos viven
en tres grandes centros del norte de Italia: Módena, Bolonia y
Venecia. En Bolonia surgen Vitali yTorelli . Este estilo es seguido
por Corelli que compone en Roma. En Venecia nace Antonio Vivaldi
(1676-1741) , el más importante compositor de conciertos.
Sus colecciones de conciertos
representan la culminación del barroco instrumental italiano.
Las famosas “Cuatro estaciones”
forman parte de una de esas colecciones de conciertos titulada:
“Il cimento della armonía e della
invenzione”.
El concierto tuvo gran presencia en Alemania donde fue cultivado por Bach y Händel.
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Johann Sebastian Bach
Concerto for Violin and Oboe (BWV 1060R)
Irish Chamber Orchestra.
Oboe: Aisling Casey Violin: Nigel Kennedy
I -ALLEGRO
II- ADAGIO
III-ALLEGRO ASSAI
Sonata significa “música para ser
sonada”.
Al igual que la suite, la sonata está
basada en la contraposición de movimientos.
Este estilo aparece en la Escuela de
Bolonia, centrada en la iglesia de San Petronio.
Maurizio Cazzati y Tomaso Vitali fueron
los primeros maestros.
Arcangelo Corelli recoge el espíritu
de Bolonia estableciendo el esquema de la sonata barroca en cuatro
partes:
-GRAVE
-ALLEGRO (estilo fugado)
-MODERATO
-VIVO (estilo fugado u
homofónico)
Giuseppe Torelli (1658-1709), Tommaso
Albinoni (1671-1750) y Francesco Geminiani (1687-1762) son
discípulos de Corelli.
Desde la obra de Claudio Merulo :
“Canzoni overo sonate concertate per chiesa e camera” se
distinguen dos tipos de sonatas:
-SONATA DA CHIESA (Iglesia) : Nunca
lleva nombres de danzas. El continuo lo hace el órgano.
-SONATA DI CAMERA (Sala) : Puede
llevar nombres de danzas. El continuo lo hace el clave.
Arcangelo Corelli Trio Sonata Op. 3, No. 2
Al final del barroco la sonata tiene una nueva línea de evolución a través del clavecín con las obras de Domenico Scarlatti. Sus sonatas constan de un solo movimiento divido en dos secciones.
Domenico Scarlatti
Sonata K.209
Scott Ross -Clave-
La música para clave tiene en Francia dos importantes representantes:
François Couperin y Jean-Philippe Rameau.
Rameau es autor del primer tratado de armonía.
En España el Padre Antonio Soler (1729-1783) es el principal compositor de música para clavecín.
Fandango en Re m R146
Scott Ross -Clave-
Una Fuga es una composición instrumental o
vocal en un único movimiento.
La Fuga es la manifestación más
evolucionada y compleja de la polifonía contrapuntística.
Generalmente, las fugas están escritas a 3
ó 4 voces (partes melódicas) aunque; a veces,
encontramos fugas a 2 voces
o a más de 5.
Algunos compositores han empleado este
procedimiento como parte de otra obra; por ejemplo, en un movimiento
de una sonata o una sinfonía.
No todas las fugas presentan el mismo
esquema formal. Existen muchos tipos con muy diferentes
características.
Los elementos básicos para construir
una fuga se pueden resumir en tres secciones.
La primera sección
comienza con la exposición en una de las voces de un tema llamado
“sujeto”.
En el momento que se acaba el sujeto
se inicia en otra voz la “respuesta”,
que es la imitación exacta del sujeto transportada a la dominante.
(En algunos casos a la subdominante).
Mientras suena la respuesta, la voz
que expuso el sujeto presenta otra frase o tema llamado
“contrasujeto”.
Cuando la voz que entró en segundo lugar acaba la respuesta inicia
el contrasujeto (de la respuesta).
Poco a poco se producen las entradas del sujeto en la 3ª voz y la
respuesta en la 4ª voz (si la hay).
La
segunda sección
se construye mediante “episodios”,
fragmentos melódicos derivados de los elementos de la primera
sección. En los episodios se utilizan recursos como: la progresión,
modulación, inversión, retrogradación, aumentación y
disminución...etc.
La
tercera sección
se inicia con la aparición del sujeto en el tono principal.
El
“estrecho”
es el momento culminante de la obra en el que la
respuesta suena cuando aún no ha terminado el sujeto y viceversa.
El agolpamiento de entradas de los sujetos y respuestas produce un efecto de gran
intensidad.
Hacia el final de la obra suele
aparecer un sonido prolongado en el bajo (“pedal”)
que
se mantiene mientras las demás voces evolucionan
creando disonancias y puntos de interés armónico hasta la llegada de la cadencia final.
Fuga en Sol menor BWV 574
J.S. Bach
Ton Koopman: órgano
En España la guitarra se convierte en el instrumento nacional.
El compositor más representativo es Gaspar Sanz.
Danzas españolas
Gaspar Sanz (1640-1710).
José Miguel Moreno: Guitarra barroca
ACTIVIDADES
Con la llegada del barroco la música instrumental se enriquece gandemente.
Esto es debido sobre todo a los grandes constructores de cuerda italianos (Amati, Guarneri, Stradivari...) y a la aparición de nuevos instrumentos como el oboe, el fagot o el pianoforte.
La Suite representa la unión en una sola obra de varias danzas de distinto origen, ritmo y carácter.
En ocasiones las danzas pueden ir precedidas por un preludio.
Aunque toda la Suite está en la misma tonalidad, se combinan el modo mayor y menor.
El sentido dramático característico del barroco se consigue mediante el uso del contraste y la contraposición.
Suite Nº 1 para violonchelo en Sol mayor
BWV 1007
( J.S. Bach )
Mstislav Rostropovich (violonchelo)
Preludio
Allemande
Courante
Sarabande
Menuet
Guige
En el siglo XVII la orquesta era un conjunto variable de instrumentos cuya selección dependía en muchos casos del número de músicos disponibles en un determinado momento. Aunque Claudio Monteverdi ya indicó expresamente los instrumentos que debían interpretar la parte instrumental de su ópera Orfeo esto no era lo habitual. Normalmente los intérpretes, muchas veces también compositores, daban rienda suelta a su imaginación creando variadas combinaciones tímbricas y tendiendo muchas veces a la improvisación.
Hacia 1700, muchos instrumentos se perfeccionaron técnicamente. Por ejemplo, la familia del violín se impuso gradualmente a la de la viola, aunque algunos miembros aislados de esta familia de siguieron usando en algunas obras (por ejemplo la viola da gamba, utilizada en algunos pasajes de la “Pasión según San Mateo” de J.S.Bach). No hay que olvidar que el grupo de instrumentos de la familia del violín (violín, viola, violonchelo y contrabajo) van a ser el núcleo central de la orquesta. En lo que respecta a los instrumentos de viento comenzó a usarse el corno de caccia, antepasado de la trompa y la flauta travesera se impuso a la flauta de pico , aunque ésta aún se utilizó en algunas composiciones orquestales. Por otra parte, en la época de J. S. Bach las designaciones instrumentales indicadas por los compositores en sus partituras eran confusas. Por ejemplo, la expresión clarino que se encuentra en algunas cantatas de Bach designa el registro determinado de un instrumento (trompa o trompeta). Sólo los factores musicales podían , en última instancia, decidir sobre el instrumento elegido. De todo, se deduce que la orquesta barroca, a pesar de evidentes progresos, no había alcanzado aún un grado de uniformidad, ni delimitado la constitución de una plantilla básica. No obstante puede hablarse de un instrumental más o menos fijo:
LA ORQUESTA BARROCA | ||||
CUERDAS
|
VIENTO
MADERA |
VIENTO
METAL |
PERCUSIÓN
|
TECLA
|
Violin
Viola Violonchelo Contrabajo |
Flauta
Oboe Fagot |
Cornos
Trompetas |
Timbales
| Órgano Clavicémbalo |
En ocasiones se empleaban sonoridades diferentes como los oboes d ´amor , oboes d ´caccia, laúdes, mandolinas, flautas de pico...
Durante el Barroco, no existía todavía el director de orquesta tal y como lo conocemos hoy en día. Normalmente el intérprete del primer violín, del clavicémbalo o del órgano, también llamado maestro de concierto, se encargaba de dirigir al resto de los músicos desde el lugar en el que estaba sentado.
A finales del siglo XVII aparece un
estilo instrumental que se convertirá en el más importante del
Barroco:
El Concierto.
El término “Concerto” viene del
verbo “concertare”, es decir, “tocar varios instrumentos a la
vez”. Esta forma orquestal barroca suele constar de
tres movimientos:
(Allegro-Largo-Allegro).
La esencia del concierto es el diálogo
entre la orquesta (“tutti”) y el solista .
En el llamado “Concerto grosso” la
orquesta dialoga con un grupo de solistas (“concertino”).
Los compositores de conciertos viven
en tres grandes centros del norte de Italia: Módena, Bolonia y
Venecia. En Bolonia surgen Vitali yTorelli . Este estilo es seguido
por Corelli que compone en Roma. En Venecia nace Antonio Vivaldi
(1676-1741) , el más importante compositor de conciertos.
Sus colecciones de conciertos
representan la culminación del barroco instrumental italiano.
Las famosas “Cuatro estaciones”
forman parte de una de esas colecciones de conciertos titulada:
“Il cimento della armonía e della
invenzione”.
El concierto tuvo gran presencia en Alemania donde fue cultivado por Bach y Händel.
.gif)
Oboe: Aisling Casey Violin: Nigel Kennedy
I -ALLEGRO
II- ADAGIO
III-ALLEGRO ASSAI
Sonata significa “música para ser
sonada”.
Al igual que la suite, la sonata está
basada en la contraposición de movimientos.
Este estilo aparece en la Escuela de
Bolonia, centrada en la iglesia de San Petronio.
Maurizio Cazzati y Tomaso Vitali fueron
los primeros maestros.
Arcangelo Corelli recoge el espíritu
de Bolonia estableciendo el esquema de la sonata barroca en cuatro
partes:
-GRAVE
-ALLEGRO (estilo fugado)
-MODERATO
-VIVO (estilo fugado u
homofónico)
Giuseppe Torelli (1658-1709), Tommaso
Albinoni (1671-1750) y Francesco Geminiani (1687-1762) son
discípulos de Corelli.
Desde la obra de Claudio Merulo :
“Canzoni overo sonate concertate per chiesa e camera” se
distinguen dos tipos de sonatas:
-SONATA DA CHIESA (Iglesia) : Nunca
lleva nombres de danzas. El continuo lo hace el órgano.
-SONATA DI CAMERA (Sala) : Puede
llevar nombres de danzas. El continuo lo hace el clave.
Arcangelo Corelli Trio Sonata Op. 3, No. 2
Al final del barroco la sonata tiene una nueva línea de evolución a través del clavecín con las obras de Domenico Scarlatti. Sus sonatas constan de un solo movimiento divido en dos secciones.
Domenico Scarlatti
Sonata K.209
Scott Ross -Clave-
La música para clave tiene en Francia dos importantes representantes:
François Couperin y Jean-Philippe Rameau.
Rameau es autor del primer tratado de armonía.
En España el Padre Antonio Soler (1729-1783) es el principal compositor de música para clavecín.
Fandango en Re m R146
Scott Ross -Clave-
Una Fuga es una composición instrumental o
vocal en un único movimiento.
La Fuga es la manifestación más
evolucionada y compleja de la polifonía contrapuntística.
Generalmente, las fugas están escritas a 3
ó 4 voces (partes melódicas) aunque; a veces,
encontramos fugas a 2 voces
o a más de 5.
Algunos compositores han empleado este
procedimiento como parte de otra obra; por ejemplo, en un movimiento
de una sonata o una sinfonía.
No todas las fugas presentan el mismo
esquema formal. Existen muchos tipos con muy diferentes
características.
Los elementos básicos para construir
una fuga se pueden resumir en tres secciones.
La primera sección
comienza con la exposición en una de las voces de un tema llamado
“sujeto”.
En el momento que se acaba el sujeto
se inicia en otra voz la “respuesta”,
que es la imitación exacta del sujeto transportada a la dominante.
(En algunos casos a la subdominante).
Mientras suena la respuesta, la voz
que expuso el sujeto presenta otra frase o tema llamado
“contrasujeto”.
Cuando la voz que entró en segundo lugar acaba la respuesta inicia
el contrasujeto (de la respuesta).
Poco a poco se producen las entradas del sujeto en la 3ª voz y la
respuesta en la 4ª voz (si la hay).
La
segunda sección
se construye mediante “episodios”,
fragmentos melódicos derivados de los elementos de la primera
sección. En los episodios se utilizan recursos como: la progresión,
modulación, inversión, retrogradación, aumentación y
disminución...etc.
La
tercera sección
se inicia con la aparición del sujeto en el tono principal.
El
“estrecho”
es el momento culminante de la obra en el que la
respuesta suena cuando aún no ha terminado el sujeto y viceversa.
El agolpamiento de entradas de los sujetos y respuestas produce un efecto de gran
intensidad.
Hacia el final de la obra suele
aparecer un sonido prolongado en el bajo (“pedal”)
que
se mantiene mientras las demás voces evolucionan
creando disonancias y puntos de interés armónico hasta la llegada de la cadencia final.
Fuga en Sol menor BWV 574
J.S. Bach
J.S. Bach
Ton Koopman: órgano
En España la guitarra se convierte en el instrumento nacional.
El compositor más representativo es Gaspar Sanz.
Danzas españolas
Gaspar Sanz (1640-1710).
José Miguel Moreno: Guitarra barroca
ACTIVIDADES
